Wolfgang Amadeus Mozart no solo es conocido por ser uno de los compositores más importantes de la historia de la música, sino también por su excéntrica personalidad. Ya desde muy pequeño mostró un carácter alegre y bromista que se configuró como su seña de identidad. Según muchos testimonios de personas que se relacionaron con él, siempre estaba sonriendo, e incluso su esposa, Constanze, señalaba el optimismo como el rasgo más característico de su marido.

Un genio muy infantil

Pero Mozart nunca dejó de ser un niño. Como afirma su primer biógrafo, Schlichtegroll, este hombre que llegó precozmente a la mayoría de edad en su arte, «nunca aprendió a gobernarse a sí mismo, no tenía el sentido del orden doméstico, el uso debido del dinero, de la templanza y de la elección razonable en el goce. Siempre necesitaba un guía, un tutor que en su lugar se encargara de los asuntos domésticos, pues su espíritu estaba ocupado sin cesar con un sinfín de asociaciones muy diferentes que le impedían toda concentración en otros pensamientos serios». No deja de resultar curioso que un genio de su calibre pudiese ser tan torpe en su vida doméstica.

El gusto por lo escatológico

Por otra parte, es de sobra conocida la afición que el joven genio mostraba por todo lo relacionado con la escatología, llegando a resultar incluso soez. Hay muchos testimonios que evidencian esta característica del compositor, pero son muy ilustrativas al respecto las cartas que enviaba a su prima Maria Anna Thekla, en las que, además de hacer gala de un lenguaje bastante grosero, también lo hacía de una enorme fogosidad. Pero el impulso escatológico no se circunscribía únicamente al ámbito personal, sino que también lo desarrolló en los textos de algunas de sus composiciones musicales, entre las que destacan los cánones Bona Nox, bist a rechta y O du eselhafter Martin.

El Mozart masón

Aunque Mozart fue criado en un entorno católico, pero no estricto, y fue un fiel miembro de la Iglesia, en los últimos siete años de su vida abrazó la francmasonería, hecho que no era incompatible con sus creencias cristianas, sino que las complementaba en su ámbito más intelectual. En el año 1784 ingresó como aprendiz en la logia Zur Wohltätigkeit de Viena. Rápidamente alcanzó los siguientes grados y, según las fuentes que se conservan, Mozart encontró en la masonería un remanso de paz y tranquilidad en el que podía manifestarse libremente.

La música ocupaba un lugar primordial en esas reuniones masónicas, por lo que Mozart compuso varias obras con esa función, entre las que destacan la Pequeña cantata masónica, la Música para un funeral masónico y, por supuesto, La flauta mágica. Este último singspiel está lleno de referencias a la masonería, tantas que incluso algunos miembros de la logia se mostraron irritados porque Mozart hubiese revelado algunos de sus secretos mejor guardados mediante la música.

Un verdadero intelectual

Aunque fue la música el arte que cultivó Mozart, lo cierto es que tenía una gran formación en el resto de los saberes. Desde muy pequeño, su padre, Leopold, se ocupó de que fuera una persona culta e ilustrada, por lo que el joven Wolfgang llegó a dominar con soltura varias lenguas. Mostraba, además, un amor incondicional por los libros, en cuya lectura se enfrascaba de manera imperturbable, y grandes cualidades para las matemáticas, su materia favorita en la infancia.

Sin embargo, como podemos comprobar, Mozart mostraba una especie de dicotomía mental, una doble faceta en su personalidad que le llevaba a ser un genio absoluto en el ámbito artístico, pero un verdadero negado en las cuestiones de la vida diaria. En cualquier caso, la faceta musical fue la que salió ganando, y gracias a ello hoy podemos disfrutar del enorme talento de este genial compositor.

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Hace poco más de 250 años nació en la ciudad austriaca de Salzburgo uno de los compositores más importantes de toda la historia de la música occidental y una de las figuras que más leyendas ha suscitado. No hace falta ser un experto melómano para saber que Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) se trata, posiblemente, del músico más polifacético, carismático y prolífico de toda nuestra historia musical. Porque ¿quién no ha tarareado alguna vez la famosísima melodía de La flauta mágica o no se ha emocionado con el maravilloso personaje en la película Amadeus?.

El artista completo: intérprete y compositor

El incuestionable talento de Mozart empezó a despuntar ya en sus primeros años de vida: con tan solo cinco años escribía magníficas obras musicales y dominaba con soltura tanto los instrumentos de tecla como el violín. Tal era la habilidad musical del joven Mozart que muy pronto comenzó a actuar como solista por todas las cortes europeas, deslumbrando a todo aquel que tenía ocasión de contemplar su genialidad.

Su faceta como instrumentista fue, desde luego, notable, pero su consagración en el canon de la historia de la música vino de la mano de sus composiciones musicales. Mozart escribió alrededor de seiscientas obras de todos los géneros: conciertos, óperas, sinfonías, música de cámara, música religiosa… que lograron erigirlo como el mayor genio musical de todos los tiempos.

El culmen del Clasicismo

Estilísticamente, su legado musical se ubica en el periodo histórico conocido como Clasicismo. Este periodo comprende, aproximadamente, desde la mitad del siglo XVIII hasta el final de este siglo. Es, pues, una etapa muy corta en comparación con otras, pero de muchísima importancia en la configuración de nuestra tradición musical. No en vano, solemos denominar toda la música culta y académica como «música clásica».

Pero ¿qué hizo Mozart para llegar a ser el mayor estandarte de la música del Clasicismo? Junto con los otros dos grandes clásicos vieneses, Haydn y Beethoven, el joven genio austriaco sentó las bases de un nuevo estilo musical que buscaba la claridad estructural, la simetría, la sencillez, la objetividad, la elegancia… todas ellas cualidades presentes en las obras de arte de la Antigüedad clásica e imitadas por todas las disciplinas artísticas (pintura, escultura, arquitectura) durante estos años.

La música del Clasicismo pretendía, en definitiva, agradar al público, llegar a un gran número de oyentes a través de bellas y alegres melodías, fácilmente identificables, y un ritmo sencillo y constante. Sin embargo, la obra de Mozart logró trascender esa aparente «superficialidad» que caracterizaba a las composiciones del periodo. Su música es, paradójicamente, de una sencillez casi infantil a la vez que de una gran complejidad; alegre, pero también profundamente emocional; de facilidad innata, pero perfectamente ensamblada.

En el ámbito de la música vocal, Mozart fue el maestro indiscutible del género bufo, un estilo operístico de tema cómico representado por personajes cotidianos. En lo instrumental, alcanzó altas cotas de virtuosismo, tanto en la técnica de los instrumentos para los que compuso conciertos, sonatas, etc. como en sus propias composiciones.

Una vida marcada por las adversidades

A pesar de contemplar a Mozart como el personaje simpático, divertido y alegre que sin duda fue, su vida no fue tan fácil como aparenta su propia música. En los últimos años de su corta vida (solo vivió hasta los 35 años), Mozart se muestra como un artista rebelde, encarnando el que será el espíritu romántico que dominará el siguiente siglo: rechaza estar al servicio de ningún noble e intenta subsistir como compositor de forma autónoma.

Las envidias que suscitó, los problemas económicos que sufrió y las deudas a las que tuvo que hacer frente, así como una prematura y letal enfermedad, acabaron muy pronto con una vida tan extraordinaria como fascinante. No es de extrañar que, con estas circunstancias, la leyenda sobre el personaje esté servida…

La Misa de Réquiem en re menor K. 626 es la última obra que Mozart compuso y, probablemente, una de las más importantes de todo su catálogo, no solo por su calidad musical, sino también por la leyenda que a ella va asociada. Mozart escribió mucha música sacra, aunque casi toda durante el periodo que pasó en la corte de Salzburgo, ya que en Viena solo compuso la Misa en do menor KV 427 y este magnífico Réquiem. La genialidad de Mozart queda también patente en su música religiosa, en la que fusionó todos los estilos de la época y captó el sentimiento religioso de una manera muy particular, desligándolo de toda institución y transformándolo en música pura.

El culmen de la música religiosa

La misa es uno de los géneros más importantes de la música religiosa y consta de una estructura fija que incluye las secciones correspondientes del servicio religioso principal de la Iglesia católica. La misa de difuntos presenta algunas diferencias respecto a otro tipo de misas, ya que incluye partes que no aparecen en estas y también elimina algunos de los fragmentos que contiene la misa tradicional. Mozart compuso su Réquiem para orquesta, coro y voces solistas (soprano, contralto, tenor y bajo). Contenía las siguientes partes, que fueron puestas en música mediante una gran variedad de técnicas compositivas:

• Introitus (Requiem Aeternam)
• Kyrie
• Secuencia, parte formada por diferentes secciones: Dies Irae, Tuba mirum, Rex tremendae, Recordare, Confutatis y Lacrimosa.
• Offertorium, en el que se incluyen dos secciones: Domine Jesu y Hostias.
• Sanctus, formado por el propio Sanctus y el Benedictus.
• Agnus Dei
• Communio: Lux Aeterna

Las características musicales de este réquiem reflejan muy bien el estilo compositivo de la última época de Mozart: el uso de timbres sombríos, acentuado por el empleo de trombones y corni di bassetto (clarinetes bajos); el carácter solemne que aporta la tonalidad de re menor; la utilización de cromatismos muy acentuados y la inclusión de elementos barrocos (secciones polifónicas y fugadas) que casan a la perfección con el contenido de la obra y con el momento vital en el que se encontraba el compositor.

Un réquiem… ¿para su propia muerte?

La composición de esta obra está rodeada de misterio. El réquiem fue encargado a Mozart por un desconocido enviado por el conde Walsegg. Este conde era un músico aficionado que deseaba que el compositor escribiese una misa de difuntos para el funeral de su esposa. El hecho de no presentarse él mismo y enviar en su lugar a un desconocido, que vestía completamente de negro para permanecer en el anonimato, responde a su verdadera intención, que no era otra que apropiarse de la composición y hacerla pasar como propia.

Mozart se encontraba en un momento muy complicado: su salud decaía y se encontraba muy abatido desde la muerte de su padre y, a consecuencia de esto, casi obsesionado con su propia muerte, por lo que todo lo que rodeaba a este encargo secreto llegó incluso a atemorizarle… o eso dice, al menos, la leyenda. Lo que sí es cierto es que el conde no pudo finalmente cumplir su cometido, ya que la enfermedad de Mozart se encontraba en un estado muy avanzado y al joven compositor le sobrevino la muerte antes de ver terminada su gran obra. Solo llegó a componer los primeros compases del Lacrimosa, y fue su discípulo Süssmayr quien completó la instrumentación (según las indicaciones de la partitura de Mozart) y las partes que faltaban.

Sea como fuere, el réquiem constituye, sin lugar a dudas, el culmen de su talento artístico y el dominio de su oficio como compositor, y lo erige como uno de los músicos más importantes de todos los tiempos.

Escucha el Requiem de Mozart

La obra musical conocida como Rondó alla turca es el tercer movimiento de la sonata para piano n.º 11 en la mayor K. 331 y, sin duda, una de las melodías para piano más populares de la historia. No se sabe con seguridad en qué año compuso Mozart su undécima sonata, y se barajan fechas tan alejadas como 1778 o 1783 (esta última la más aceptada hoy en día).

El estilo turco

Durante los siglos XVI y XVII, el Imperio otomano vivía su máximo esplendor y se expandía por toda Europa. Después de que la Liga Santa consiguiera contener al ejército otomano en la célebre batalla de Lepanto, las tropas turcas se concentraron en la zona de los Balcanes y llegaron a asediar la ciudad de Viena en dos ocasiones (1529 y 1683). La cercanía del mundo turco y todo el exotismo que a él se asociaba generó en toda Europa una enorme atracción y fascinación por todo aquello que viniera de esta cultura.

Por este motivo, en todas las artes (pintura, literatura, etc.) se puede observar la influencia que generó esta moda por lo turco. La música, por supuesto, también incorporó una serie de clichés musicales que afectaban, sobre todo, al ritmo y a la instrumentación; es la llamada música de jenízaros. Los ejércitos turcos iban acompañados, en sus campañas, por bandas de jenízaros que tocaban instrumentos de viento y percusión, cuyo sonido —potente, estruendoso y lleno de ritmo— supuso una auténtica revolución en Occidente. Poco a poco, este estilo de música se fue introduciendo en la vida social europea, primero en la música escénica y después en otros géneros musicales, que imitaron su estilo propio.

Aparte de en esta sonata, Mozart incorporó el estilo turco en otras obras, entre las que destacan el singspiel El rapto en el serrallo o el Concierto para violín n.º 5.

El rondó: la forma desarrollada por excelencia

Ya en las suites antiguas encontramos formas de rondó, las cuales pasaron a ocupar, en el periodo clásico, los últimos movimientos de las sonatas. Esta forma musical se caracteriza por presentar una sucesión de estribillos (o ritornelos) con coplas (o episodios) intercalados, de tal manera que surge la siguiente forma modelo: A-B-A-C-A. Sin embargo, este Rondó alla turca presenta una estructura un poco más compleja, ya que los temas se intercalan de diferente manera. Como vemos, la forma rondó permite la exposición de multitud de temas, los cuales aparecen en distintas tonalidades: la menor, la mayor y fa sostenido menor, creando así una gran variedad armónica.

Como es habitual en el estilo turco, el ritmo es el elemento más importante, y en este rondó se puede apreciar el incesante ritmo de marcha en compás de 2/4 que marca la mano izquierda del piano. Sobre este ritmo percusivo, que imita el sonido que producían el bombo y los platillos en las bandas turcas, se desarrolla una melodía muy virtuosística y de gran dificultad técnica.

Una vez más, en esta pieza queda patente la genialidad compositiva de Mozart, ya que consigue mezclar el gusto por lo turco con la actitud hedonista que caracterizaba al periodo clásico, y, aunque es cierto que se trata, en origen, de una música de entretenimiento, el toque del compositor austriaco le otorga una calidad y un interés musical insuperable.

Escuchar esta obra

La Serenata para cuerdas n.º 13 en sol mayor K. 525, conocida coloquialmente como Pequeña serenata nocturna, es una de las obras más populares de Mozart, por lo que no puede dejar de mencionarse como un claro ejemplo del estilo del Clasicismo y del genio compositivo del músico austriaco. Se trata de una obra de madurez, ya que fue compuesta en el año 1787, fecha que coincide con el estreno de su ópera Don Giovanni.

Al contrario que otras de sus últimas obras, esta serenata presenta un carácter ligero, alegre y despreocupado, muy acorde con la función de este género musical, que no era otra que amenizar actos sociales, como bodas, bailes, banquetes, etc., y entretener a sus asistentes.

Una «sinfonía» en miniatura

El término serenata procede de los italianos sera (velada) o al sereno (al aire libre, a cielo descubierto), es decir, se trata de una música para ser interpretada al aire libre y al atardecer. Es un género musical para un conjunto instrumental reducido, y consta, como el género de la sinfonía, de varios movimientos. Esta serenata de Mozart fue compuesta para cuarteto o quinteto de cuerda: dos violines, viola y violonchelo (y un contrabajo opcional que dobla la voz del violonchelo). Tenía en origen cinco movimientos, de los que solo se han conservado cuatro:

Allegro: este movimiento ilustra de manera magistral la forma sonata, tan emblemática del periodo clásico. Tal es la claridad de este primer movimiento, tanto en la escritura como en el planteamiento armónico y estructural, que se configura como ejemplo perfecto de las características del estilo musical de finales del siglo XVIII: una música agradable, elegante, refinada, transparente y sencilla.

Romanza: este andante es el movimiento más lírico de toda la serenata, y contrasta en tempo con el anterior. Posee una forma en la que se contrapone un tema principal, A, que actúa como estribillo, con otros temas (B y C), de esta manera: A-B-A-C-A.

Menuetto: el tercer movimiento es un allegretto en forma tripartita, es decir, en tres partes (A-B-A), en las que se alterna el propio minueto (A) con el trío (B). El trío es, en realidad, un segundo minueto; su nombre deriva del trío (formado por dos oboes y fagot) con el que originariamente se interpretaban estas partes centrales de los minuetos. Como corresponde a esta forma musical, este tercer tiempo presenta un carácter bailable, de aparente sencillez. Al igual que ocurrió con el primer movimiento de esta serenata, este menuetto es un auténtico modelo de composición clásica debido a la simetría en su estructura, la precisión en su planteamiento y la perfección en sus motivos y melodías.

Rondó: el último movimiento de esta serenata es también un allegro que entronca con el primer movimiento en cuanto a viveza y brillantez, y que concluye la obra de forma exquisita. Presenta, como el segundo movimiento, un tema principal, A, que se va alternando con otros temas, constituyendo así la forma rondó-sonata.

Una obra rodeada de misterios

Uno de los enigmas que envuelve a esta serenata es el motivo de su composición, ya que nada se sabe acerca de las circunstancias que llevaron a Mozart a escribirla; ni siquiera se conoce si la compuso por encargo o si la escribió por mero placer propio. El único detalle que conocemos con seguridad es que fue publicada en el año 1827 por el editor Johann Anton André, el cual compró a Constanze, la viuda del compositor, el legado musical de Mozart (en el que se incluía esta partitura).

Otro de los misterios que rodea a la obra es la existencia de un quinto movimiento, hoy perdido; se cree que se trataba de un segundo minueto, ya que así aparece reseñado en el catálogo personal del compositor. Pero a pesar de ser una obra rodeada de incógnitas, no hay duda de que esta serenata es una de las piezas más conocidas e interpretadas de todo el repertorio mozartiano.

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Ah! vous dirai-je, Maman es el título de las Doce variaciones para piano K. 265 de Mozart, compuestas, según las últimas investigaciones, en el año 1781 o 1782. Se trata de una obra muy interesante, ya que refleja muy bien la personalidad del joven Wolfgang y su genialidad como compositor. Estas variaciones están basadas en la canción popular francesa Ah! vous dirai-je, Maman, melodía que dio lugar posteriormente a muchas canciones infantiles en todos los idiomas, como Campanitas del lugar (en castellano) o Twinkle, Twinkle, Little Star (en inglés).

Parece ser que la canción original en francés surgió en el año 1761, por lo que es probable que fuera muy conocida en la época y que por eso Mozart la eligiera como tema para sus variaciones.

El tema con variaciones como forma musical

El procedimiento de la variación, es decir, la modificación de un tema dado, es uno de los principios fundamentales de composición musical, y también uno de los más antiguos. Mediante la variación se pueden transformar parámetros musicales como el ritmo, la dinámica, la articulación, el timbre, la armonía, la instrumentación, etc. Como forma musical, consiste en un número indeterminado de piezas breves, todas basadas en un mismo tema que, casi siempre, se expone al principio de la obra y que es modificado a través de distintos recursos en cada una de las diferentes partes que la componen.

Mozart tomó, como hemos señalado, esta sencilla canción popular como tema principal. El reto estaba asegurado: ¿cómo conseguiría modificar de forma interesante, atractiva y magistral una melodía de tal simpleza? Lo logró empleando numerosas técnicas a lo largo de doce piezas breves, que vamos a detallar a continuación.

El maestro de las técnicas compositivas

Entre los procedimientos compositivos que Mozart empleó para construir sus variaciones, destacan los siguientes:

Variación melódica, con la que ornamenta la línea melódica, pero manteniendo los puntos básicos de esta para que el tema no quede desfigurado y pueda ser fácilmente reconocible. En este tipo de variación, Mozart conserva las notas fundamentales de la melodía y de la armonía, pero añade un gran número de notas de paso, floreos, escalas, arpegios, etc. Es el procedimiento que emplea, por ejemplo, en las variaciones I y VII (en la voz superior), y en la VI (en la voz inferior).

Variación rítmica, en la que son frecuentes los cambios de figuración, como ocurre en las variaciones III y V, o cambios de tempo en las variaciones XI o XII. De hecho, estas dos últimas variaciones son las únicas que tienen indicaciones concretas de tempo: Adagio en la XI, creando una pieza de un lirismo exquisito; y Allegro en la XII, consiguiendo una variación de gran complejidad técnica.

Variación armónica, que consiste en cambiar parámetros importantes del sustento armónico. Es el principio que rige, por ejemplo, la variación VIII, en la que Mozart cambia el modo, pasando de do mayor a do menor y convirtiendo lo que era un tema muy alegre y despreocupado en una melodía muy sentimental y de gran belleza.

Variación contrapuntística, la cual se logra entretejiendo motivos o melodías diferentes, como sucede en las variaciones II y IX, en las que Mozart añade a la melodía principal una segunda voz que se entrecruza con ella, creando así una textura muy interesante.

Como podemos observar, estas variaciones se tratan de un compendio de muchas de las más importantes técnicas de composición del periodo clásico. Además, en ellas podemos apreciar, de nuevo, la dualidad del músico, ya que se conjugan a la perfección la cara más infantil e inocente de Mozart (representada por esta sencilla melodía popular) con su parte más madura e intelectual, gracias a la cual consigue crear una obra de gran belleza y complejidad musical.

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El singspiel: una ópera a la alemana

La flauta mágica, en alemán Die Zauberflöte, es una de las obras más conocidas y alabadas de W. A. Mozart. Fue estrenada en el año 1791, muy pocos meses antes de la muerte del compositor, por lo que se trata de la última ópera del genio austriaco. En realidad, formalmente se trata de un singspiel, que es un género musical y teatral típicamente alemán, de carácter principalmente cómico y temática fantástica, que combina diálogo hablado, pequeñas arias solistas y números concertantes.

Durante todo el siglo XVIII, la ópera italiana (tanto el género bufo como la ópera seria) domina en el área alemana. En esta región, el singspiel se constituirá como el equivalente en alemán a la ópera bufa. Los dos grandes impulsores de este género serán, en el ámbito ideológico, el emperador José II, quien fundó una compañía nacional para estimular la producción de obras en lengua alemana; y, en el musical, el propio Mozart, que cultivó este género y lo elevó al más alto nivel musical y dramático.

Un universo mágico

La flauta mágica fue encargada a Mozart por su amigo el empresario teatral Emanuel Schikaneder, quien, conocedor de los problemas económicos por los que estaba pasando el compositor, esperaba conseguir con este estreno grandes beneficios económicos. El libreto de la ópera es una mezcla de cuento, magia, idealismo y masonería. Ambos, Schikaneder y Mozart, eran masones y pertenecían a la misma logia.

El argumento se desarrolla en un bosque imaginario y en una época atemporal, no especificada. Estaba dividido en dos actos y consistía, a grandes rasgos, en lo siguiente: Tamino debe salvar a Pamina, hija de la Reina de la Noche, que ha sido secuestrada por el malvado Sarastro. Ayudado por una flauta mágica y por el cazador de pájaros Papageno, se adentra en el territorio de Sarastro. Allí se da cuenta de que es la Reina de la Noche, y no Sarastro, quien encarna el mal. Para rescatar a Pamina, Tamino debe enfrentarse a una serie de pruebas. Una vez superadas estas pruebas y derrotada la Reina, Tamino al fin logra reunirse con su amada y, siguiendo la tendencia de las óperas de la época, se produce un final feliz en el que el bien triunfa sobre el mal.

En realidad, el hilo argumental es bastante complejo, ya que cada acto se divide en un buen número de cuadros. Aun así, se encuentran algunas incongruencias en el contenido del libreto, que desde luego no restan calidad a esta obra sublime, porque ¿acaso no se trata de una obra de temática fantástica? La flauta mágica recrea perfectamente la lucha entre el bien y el mal, el amor por el humanismo y por el idealismo, el deseo de alcanzar la verdad, la justicia, la fraternidad y la sabiduría… No es de extrañar, entonces, que ya desde el principio se configurara como una de las obras más importantes de la historia de la ópera y de la música.

Los elementos musicales de La flauta mágica

Los protagonistas de la obra cubren todo el ámbito vocal: Tamino es encarnado por un tenor lírico, Papageno por un barítono, Pamina por una soprano, la Reina de la Noche por una soprano de coloratura, y Sarastro por un bajo. Todos los papeles requieren una increíble destreza vocal, ya que Mozart incorpora numerosos efectos y registros muy extremos, como se puede apreciar, por ejemplo, en la famosísima aria «Der Hölle Rache» de la Reina de la Noche. La música es utilizada por Mozart para caracterizar tanto personajes como situaciones, y emplea para ello diversos medios estilísticos: canciones, arias líricas, arias de coloratura (una manera de cantar que consiste en la capacidad de ejecutar una sucesión de notas muy rápidas), recitativos acompañados, números concertantes, coros y fragmentos instrumentales que describen a la perfección los distintos ambientes y emociones por los que discurre esta magnífica ópera, una de las más representadas a lo largo de toda la historia de la música.

Escucha la Flauta Mágica de Mozart

Compuesta en el mes de julio del año 1788, la sinfonía n.º 40 es la penúltima que escribió Mozart. El verano de ese año fue enormemente productivo para el compositor, ya que durante su curso escribió también las sinfonías n.º 39 (finalizada en junio) y n.º 41 (concluida en agosto). Mozart solo escribió dos sinfonías (no se sabe con seguridad si una tercera) en modo menor, casualmente ambas en la tonalidad de sol menor: la n.º 25 (conocida como la «pequeña sinfonía en sol menor») y esta, la n.º 40 (en contraposición, la «gran sinfonía en sol menor»).

Mozart, el gran sinfonista

La sinfonía es un género de música orquestal dividido en cuatro movimientos que sigue el modelo de la sonata (que era una composición instrumental de varios movimientos para uno o más instrumentos). Cada uno de los movimientos tiene un carácter y un tempo diferentes. Esta sinfonía de Mozart sigue, como todas las sinfonías del periodo clásico, este esquema:

– El primer movimiento es un Molto allegro que sigue la forma sonata. «Forma sonata» es la denominación otorgada a una forma musical que sigue una estructura en tres partes, entre las que se distinguen la exposición (en la que se presenta el tema o temas principales), el desarrollo (en el que estos temas se elaboran o se varían) y la reexposición (en la que se vuelven a exponer los temas, a modo de conclusión).

– El segundo se trata de un Andante, un tiempo lento —también en forma sonata— escrito en la tonalidad de mi bemol mayor. Es el único movimiento de toda la sinfonía en el que se cambia la tonalidad inicial. Tiene un carácter lírico y expresivo.

– El tercer movimiento es un Menuetto con Trio escrito en un compás de tres tiempos. Tiene una estructura en tres partes: minueto, trío y, de nuevo, minueto.

– El cuarto se trata de un Allegro assai. Está escrito también en forma sonata y posee un carácter frenético, lleno de tensión.

El reflejo de la vida del genio

Esta sinfonía, al contrario que el resto de sinfonías de Mozart, tiene un carácter trágico y profundamente emocional, que con seguridad se corresponde con el propio estado de ánimo en el que se encontraba Mozart cuando la escribió. La obra es un fiel reflejo del drama personal al que se estaba enfrentando el compositor: empezaba a sufrir los síntomas de una profunda depresión, probablemente avivada por las deudas que le asolaban.  Musicalmente, la sinfonía describe muy bien este estado. El hecho de estar escrita en una tonalidad menor (los modos menores se asocian, tradicionalmente, a un carácter más melancólico) ya indica la naturaleza de la obra.

Las circunstancias que rodean la creación de esta sinfonía son bastante curiosas: su composición no respondió a ningún encargo externo, sino que Mozart la escribió para sí mismo, debido a lo cual no recibió ningún pago por ella. Además, la compuso en el periodo estival, época fuera de la temporada oficial de conciertos, por lo que no era probable que pudiera ser interpretada en una fecha cercana. Finalmente, la obra se estrenó (según se cree) en abril de 1791 bajo la dirección de Antonio Salieri. Para su estreno, Mozart revisó la partitura y añadió a la orquestación el papel de los clarinetes; en su primera versión, la sinfonía estaba escrita para flauta, dos oboes, dos fagotes, dos trompas y cuerdas (violines, violas, violonchelos y contrabajos), orquestación en la que resulta destacable la ausencia de trompetas y timbales, la cual aumenta el carácter oscuro y abatido de esta sinfonía.

Apenas quince días después, Mozart terminó su última sinfonía, la n.º 41, también llamada Júpiter, una pieza que contrasta enormemente con la anterior: es una auténtica explosión de júbilo y brillantez. No sabemos qué ocurrió para que el compositor pasara tan rápido de la depresión a la alegría, pero lo que sí es cierto es que a través de ambas obras maestras podemos apreciar la característica dualidad de la personalidad del genio.

Escuchemos la obra